NOMBRE: SEGURA ESTRADA JUAN LUIS
MATERIA: METODOS DE INVESTIGACIÓN I Y II
MAESTRO: FEDERICO PATRON
CARRERA: COMUNICACIÓN
CETIS 49
SAETI
HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA
- ANTECEDENTES
- EL DESCUBRIMIENTO DE NICEPHORE NIÉPCE
- DAGUERRE Y EL DAGUERROTIPO
- LA ÉPOCA DEL DAGUERROTIPO
- LA IMAGEN SOBRE PAPEL, EL CALOTIPO
- EL COLODIÓN HÚMEDO
- EL AUGE DEL COLODIÓN
- LA PLACA SECA (GELATINO BROMURO)
- LA DESCOMPOSICIÓN DEL MOVIMIENTO
- LA TERCERA DIMENSIÓN
- EL COLOR
- LA FOTOMECÁNICA
- LA TÉCNICA DEL LENGUAJE FOTOGRÁFICO
- LA FOTOGRÁFIA EN EL ARTE
- PANORAMA DEL SIGLO XX
- LECTURA DE LAS IMAGENES
- PEQUEÑO CURSO DE FOTOGRÁFIA (BASICO)
ANTECEDENTES
Los adelantos en el arte del dibujo a través de máquinas y artefactos, los más importantes los que Alberto Durero describe en su libro “Institutionum geometricarum” en 1535, darán paso a la llamada cámara lúcida. Será William Hyde Wollaston en 1806 el que mediante una lente periscópica haga la cámara lúcida más lograda. La cámara oscura es el más importante de estos antecedentes y el más antiguo. Ya conocido por Aristóteles en la época clásica griega, utilizado para la observación de eclipses.
Leonardo de Vinci (1515), Girolamo Cardano (1550), Kepler (1571- 1630), etc. Harán de la cámara oscura un instrumento lo bastante fiable para la utilización en el dibujo. En el siglo XVIII estas se perfeccionan y reducen de formas diversas (objetos preciosistas y primorosamente adornados).
También cabe
destacar, como evolución de las sombras chinescas, la moda de los perfiles y las siluetas
basados en recortes de papel negro acharolado y su auge llegó en la época de
Luis XIV. En 1786 Gilles-Louis Chretien créo el Physionatrace, especie de
pantógrafo que traslada a una lámina de cobre el perfil del modelo que luego
retoca con aguatinta, también de gran exito en París. Fue el precursor
ideológico de la fotografía hasta la primera mitad del siglo XIX.
Una vez tratado
el plano óptico debemos mencionar la “Luna Cornata”, denominada así por los
alquimistas mediavales que actualmente
conocemos como cloruro de plata cuya cualidad es oscurecer las sales de plata
en exposición a la luz, descubierto en 1727 por el médico alemán Schulze. Otros
científicos continuaron esta investigación, entre ellos destacamos Senebier
(1742-1809) creador de la escala sensitométrica basada en las variaciones de
tiempo de oscurecimiento del cloruro de plata, la cual oscila entre 20 minutos
y 15 segundos por los diferentes colores. El problema principal de estos
descubrimientos era la falta de un fijador que retuviese las imágenes, y fue
John Herschel en 1819, mediante la acción del hiposulfito de sosa, quien
consiguió el fijador de las sales de plata.
EL DESCUBRIMIENTO DE NICEPHORE NIÉPCE
Considerado el padre de la fotografía aunque también ayudado por experimentos de Fox Talbot y H. Bayard.
Nicephore Niépce (1765- 1833): hijo de abogado francés, como segundón de familia acomodada estaba predestinado a ordenarse como religioso, pero la llegada de la revolución le hace cambiar el habito por el uniforme, pasando al estado mayor. Tras una grave enfermedad contrae matrimonio y se retira a la campiña donde experimentaría junto con su hermano diferentes inventos.
La litografía, inventada por el alemán Aloysius Senefelder en 1796 e introducida en Francia en 1910; dibujo sobre una piedra especial con un tipo de tinta grasa que se baña en un ácido diluido y fija el dibujo, proporcionando gran numero de pruebas sobre papel. En 1823, basándose en estas técnicas, Niépce tuvo la idea de aplicar la proyecciones de la cámara oscura para suplir la ausencia del dibujante.
Pronto deja la litografía por otra técnica más adecuada para el soporte de la imagen fotográfica: la heliografía. En 1816, logra las primeras imágenes sobre papel, las cuales eran obtenidas negativas, y pronto prevé la inversión del negativo al positivo. En este mismo año preconiza el empleo del diafragma. Había logrado fijar las imágenes de la cámara oscura sobre papel tratado con cloruro de plata mediante el ácido nítrico. Se podían ver a plena luz y mandarse por correo.
Una primera tentativa para el trato del negativo al positivo fue empleando el betún de Judea sin embargo lo deja por sus largas y difíciles manipulaciones.
La fotografía más antigua conocida data posiblemente de 1826: “Punto de vista desde la ventana del Gras”.
DAGUERRE Y EL DAGUERRETIPO
A finales de 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Niépce, en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa. El hijo de Niépce heredó los derechos del padre en su contrato, pero después de varias modificaciones; aprovechando la maltrecha economía del heredero, el nombre de Daguerre sería el único que apareciese como creador del invento.
Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.
El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce paginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851.
Daguerre al contrario de Niépce, aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso, de difícil manipulación y que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.
LA ÉPOCA DEL DAGUERROTIPO
El Daguerrotipo tuvo una buena acogida y pronto empezó a expandirse, Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además empezaron a venderse cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
El
segundo estudio oficial fue creado en Inglaterra por Antonie Claudet, que llegó
a ser nombrado retratista ordinario de la reina Victoria. La primera revista
fotográfica del mundo fue fundada en Nueva York en 1850 ( The Daguerreian
Journal). Esta gran aceptación hico que los detractores de la fotografía no
tuvieran más remedio que dejar de arremeter contra está y cambiar su polémica
por la pregunta: ¿Es arte o no la fotografía?
La gran popularidad del retrato forzó en cierta manera la aparición de los, hasta ahora llamados, Estudios Fotográficos. En aquella época en la que aún no existía la luz eléctrica en las ciudades, los estudio fotográficos eran grandes naves de armazón metálico donde las cúpulas de cristal hacían que éstas estuvieran dotadas de luz natural. Además, es de mencionar, la decoración de estos estudios, donde lo primordial era hacer llevadera y cómoda la larga exposición a la que era sometido el modelo. Un buen ejemplo de esta decoración era el estudio de Luther Holman Holle en Boston, donde no faltaba un piano, una caja de música, jaulas de pájaros, largas cortinas, esculturas, pinturas, estampas, etc, que ayudaban, además de lo anteriormente mencionado, a apaciguar los nervios y a la obtención de una buena foto. Sería curioso mencionar que en cierto tiempo fueron de uso aparatos y artilugios que, en forma de percheros, aguantaban las cabezas y ponían la espalda recta, de manera que el modelo no pudiera moverse, esto fue muy caricaturizado en la época.
Tanto así el
retrato no lo fue todo, ya que si algo tenía el paisaje era la luz y la
no-movilidad necesaria en los principios de la fotografía. Estos paisajes
fueron denominados muertos ya que, al ser las fotos de larga exposición, no era
posible captar ningún movimiento animal o humano. Si en un daguerrotipo se
encontraba un elemento animado resultaba desdibujado o no más nítido que una
mancha. Aún así se han encontrado primitivos daguerrotipos hechos por
aficionados tanto en ciudades europeas como en Estados Unidos.
Entre 1840 y
1844 se publicó la primera colección de álbumes de manos del óptico Lerebours,
“Excursiones daguerriennes”. Ésta estaba compuesta por daguerrotipos copiados
en grabados, y realzados con personajes, barcos, carruajes y animales añadidos
por el grabador; hechos todos ellos por fotógrafos de todo el mundo contratados
por Lerebours.
En 1842 el
fotógrafo Carl F. Stelzner saca con daguerrotipo la que será la primera
fotografía de un suceso, un barrio de su ciudad, Hamburgo, desolado por un
incendio.
Además de todo
esto sería conveniente mencionar que el daguerrotipo se utilizó con fines
científicos. Ya en 1839 el óptico Soleil construyó un microscopio-daguerrotipo;
y en 1840 John Wiliam Draper sacó una fotografía de la Luna, cinco años más
tarde, Fizeau y Foucault, hacían lo mismo con su astro gemelo, el Sol.Como vemos el
daguerrotipo fue muy expandido, pero a causa de su difícil manipulación estaba
destinado a desaparecer. A esto ayudó esa labor investigativa de los
aficionados que, como mencionamos anteriormente, mejoraron en gran medida el
daguerrotipo.
LA IMAGEN SOBRE PAPEL, EL CALOTIPO
Hippolyte
Bayard, nacido en Oise en 1801, empezó a dedicarse a experimentos fotoquímicos
en 1837. En mayo de 1839 enseñó el resultado de sus nuevos experimentos a
Arago, que rogó a este que no los publicara por no perjudicar a Daguerre, así
recibió 600 francos franceses del ministerio de interior. Aun así en junio del
mismo año Bayard expuso, en un acto público, unas treinta fotografías que
tuvieron una gran acogida. Las imágenes que Bayard obtuvo eran positivas y
directamente obtenidas sobre un papel impregnado con sales de plata. En 1840
Bayard comunicó su deseo de hacer público este descubrimiento lo que
desencadenó una nueva disputa en torno a la prioridad del descubrimiento.
Bayard abandonó.
El calotipo no
tuvo mucho éxito al principio, ya que la nitidez del daguerrotipo era preferida
por el público, pero eso no le quitó adeptos. Pronto, el tiempo de exposición,
pasaría de 30 minutos a 30 segundos.
Tan solo nueve
meses después de la comunicación de Blanquart-Evrart, Abel Niépce de Saint-Victor, primo de Nicéphore,
nombrado comandante del Palacio del Louvre por Napoleón III presentó ante la
academia de ciencias de París un procedimiento para obtener negativos sobre
cristal. La mejora suponía un gran avance. El soporte de cristal llegará hasta
el siglo XX y no s abandonará hasta ser sustituido por la película.
Ya mejorado el
negativo es curioso que tanto Abel Niépce como Blanquart-Evrart propusieran un
adelanto idéntico para el positivo. El papel Albuminado proporcionaba un brillo
hasta entonces desconocido. Las proteínas impedían que la imagen se difuminara
entre las imperfecciones del papel. La imagen era más duradera y tenía una
agradable tonalidad parda, rojiza o violácea.
Más tarde en
1851, el pintor Gustave Le Gray propone el papel encerado, que permitía tener
el papel preparado de antemano. Esta comodidad será de gran interés para las
excursiones fotográficas.
En este mismo
año se funda en París la Societé Héliographique, que en 1854 se convertiría en
Societé Française de Photographie. Esta será la primera asociación fotográfica
del mundo.
EL COLODIÓN HÚMEDO
Sir Frederick Scott Archer, escultor y fotógrafo, proponía en la revista inglesa The Chemist, en marzo de 1851, el método del colodión perfectamente experimentado. El colodión, también conocido como algodón-pólvora, es un explosivo cuya base es la celulosa nítrica.
Este invento
representaba un paso decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a
la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del
daguerrotipo más perfeccionado.
La cámara siguió
evolucionando. Ya en 1854 aparece, de manos de Petzval, el objetivo de gran
angular que abarcaba 92 grados, y en 1860, Harrison y Schnitzer adaptan a este
un diafragma iris.
Tras la
desaparición del daguerrotipo en los años 50 el calotipo cede rápidamente el
paso al colodión. La posibilidad de instantánea en una época donde el retrato
era la finalidad de la fotografía hace que empiece a aparecer la imagen del
fotógrafo callejero.
Gaspard Felix
Tournachon, conocido como Nadar, nación en París en 1820. Tras truncarse sus
estudios de medicina, a causa de la ruina de su padre, optó por dedicarse a l
periodismo y a la caricatura. Le Corsaire publicó sus primeros cuentos, y Le
Charivairi sus caricaturas.
En 1849 fundó su
propia publicación, La Revue Comique. Ya padre de familia, compró una cámara,
con la cual empezó a recopilar retratos de celebridades parisinas, para luego
sacar sus retratos. En 1853, Nadar abre con su hermano Adrien un estudio
fotográfico en la rue Saint-Lazare, que pronto los cocheros llamaron rue
Saint-Nadar, tan grande su afluencia. Variasm veces trasladó su estudio, pero
siempre fue un retratista renombrado. Como apunta E. Souguez: “no tiene nada
particular. Pero trabaja sin artificios. Colocaba a sus modelos ante fondos
oportunamente matizados, con una iluminación apropiada a su físico, poniendo en
relieve lo esencial de su carácter. Y es donde se topa con la caricatura que
define el personaje. La aportación psicológica del retratista es lo más
importante en Nadar. Se ejercía en condiciones de intimidad que vinculan de
laguna manera al práctico con sus modelos.
Julia Margaret
Cameron (1815-1879) nacida en Calcuta. Esta inglesa se dedicó a la fotografía
por pura afición cuando vivía en Inglaterra y tenía 48 años. Esta mujer
acechaba literalmente a sus modelos, fotografiando indistintamente a sus seis
hijos, sus nueras, sus yernos, nietos, criados, vecinos y perseguía a las
celebridades que admiraba para que posaran, obligándoles prácticamente a ello
con regalos y baratijas traídas de la India. Sus retratos tienen un aspecto
“flou” muy peculiar aunque son técnicamente descuidados (arañones, manchas...)
son equiparables, aunque por razones diferentes, a los retratos de
Octavius Hill,
Nadar o Carjat. Hay que mencionar que sus composiciones revelan influencia del
pintor victoriano George Frederick Watts, a quien ella admiraba y que vivía con
su hermana y su cuñado.
Tanto las
composiciones de Cameron como muchas otras pertenecen a las primeras
manifestaciones de un intento de asimilación de la fotografía con la pintura.
Si más adelante, el pictoralismo obedeció a una búsqueda formal, recurriendo a
procedimientos muy elaborados, estas primeras fotografías pictoralistas se
atuvieron al tema, y procuraron dar una fotografía llamada artística a base de
temas literarios, sobre todo alegóricos.
Oriundo de
Suecia, Rejland (1813-1875), afincado en Inglaterra, abandonó la pintura para
dedicarse a la fotografía profesional. Aunque sus obras están tachadas de
mamarachadas, son necesarios buena dosis de conocimiento para entender su obra
debido a sus temas alegóricos. Debemos mencionar a su “discípulo” Charles
Lutwidge Dogson, conocido como Lewis
Carroll, autor de “Alicia en el país de las maravillas”, fue aficionado a
fotografiar niñas, a lo que podemos agradecer que conozcamos la verdadera cara
de Alicia (Alicia Liddell).
EL AUGE DEL COLODIÓN
Permite muchas más
aplicaciones, sobre todo en la expedición fotográfica, aunque con el
inconveniente de sobrepeso de la tienda laboratorio que superaba los cincuenta
kilos. En los viajes fotográficos destacan Francis Frith (1822-1898), son admirables sus libros sobre Egipto y
Palestina; y Samuel Borne (1834-18912) con su fotografía de gran altitud
ubicadas en el Tibet y el Himalaya.Los máximos especialistas en fotografía de
montaña son los hermanos Bisson, con sus expediciones a Suiza y al Mont Blanc.
La conquista del
oeste americano queda ampliamente plasmada con las fotografías de Timothy
O`Sullivan quien cubrió la guerra civil y vistas de las Rocosas y el Cañón del
Colorado. Cabe destacar a Huffman por sus retratos de soldados e indios. Hay
que resaltar que los primeros reportajes de guerra se dieron en la campaña de
Crimea (1854-1856). Otro dato curioso es el primer fichero fotográfico
delincuente elaborado por B. Brady y Gadner.
Los primeros
montajes fotográficos surgen en 1871, por Liebert, “Crímenes de la Comuna”.
Las primeras
fotografías aéreas se hicieron en globo sobre París (1856) por el famoso
fotógrafo parisino Nadar. También se hicieron en la guerra de secesión.
Para utilidad
como correo aéreo y microdespachos, en 1867,
Dagrón utiliza las fotomicroscopias en palomas.
Con la
introducción de la luz eléctrica Nadar, en 1858, instaló en su taller cincuenta
elementos alimentaos por batería. Más tarde aplicaron la luz eléctrica a sus estudios Liebert en París, y
Mayal en Londres.
Desde los
comienzos de la fotografía se multiplicaron los libros y folletos técnicos. Por
poner algunos ejemplos de asociaciones y publicaciones especializadas
destacaremos la Societé Heliographique, publicada entre1851-1866; y la Societé
Française de Photographia que reemplazó a la anterior.
Las primeras
exposiciones de imágenes sobre papel fueron de Bayard en 1839; destacando la
gran exposición en Londres.
En esta época
existen muchos fotógrafos difíciles de catalogar por su gran variedad temática.
LA PLCA SECA (GELATINO BROMURO)
Por la difícil
manipulación en los exteriores del colodión comienza la búsqueda y la
investigación hacia la placa seca. Tras muchos intentos sin éxito se propuso el
gelatino bomuro quedando desbancado, en 1882, el colodión. El gelatino bromuro
seca la placa, Bennet, en 1874, produce placas secas en serie demostrando que
la emulsión adquiría mucha sensibilidad si reposaba de dos a diez días a una
temperatura constante de 32º centígrados; el grado de sensibilidad aumenta
según el tiempo de reposo.
La superficie
sensible la trataremos según el soporte de la emulsión y las emulsiones en sí.
El buscar un soporte más practico que el cristal, el colodión y otros similares
nos lleva en 1886 con la introducción de la celulosa a encontrar en esta una
práctica superficie fotográfica. Más adelante, el acetato de celulosa
sustituirá al celuloide. Las emulsiones van relacionadas con los diferentes
tipos de sensibilidad, según es expuesto a la luz el soporte de la emulsión.
Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.
A finales del
siglo XIX y principios del siglo XX nacen las grandes firmas industriales. Se
lleva a cabo una normalización internacional de los laboratorios y sus
productos. Los reveladores se perfeccionan, aparecen manipuladores para
corregir o modificar deliberadamente. Esta necesidad de normalizar el material
fotográfico se da en el primer congreso de fabricantes y técnicos, en 1889, en
París. Fija un sistema para determinar la luminosidad de los objetivos y
también se normalizan los formatos y el espesor de las placas de cristal.
La óptica mejoró
considerablemente, se multiplican los modelos de objetivos (los alemanes
destacan en esto) y también los obturadores.
George Eastmana
(1854-1932) fundó la casa Kodak creando, en 1888, la primera cámara “Kodak 100
vistas” con rollo de papel. Los fotogramas eran circulares de aproximadamente 5
cm de diámetro. Un año después sustituye el papel por celuloide, naciendo así
el carrete de película. Por la consiguiente reducción del precio de las cámaras
que llega a cualquier aficionado. Más tarde se mostraría como una gran
multinacional y también como una de las mayores vanguardias de la
investigación.
El desarrollo de
la industria fotográfica, como por ejemplo AGFA en Alemania, hará surgir otras
industrias en diferentes países desarrollados. En poco tiempo habrá gran numero
de aficionados lo que preocupará a los profesionales, pidiendo remedio a esta
avalancha; “Apretar el botón que nosotros hacemos el resto” (eslogan de Kodak).
Nacen grupos y
asociaciones en torno a al idea de la fotografía artística mediante una
dualidad estética, una muy elaborada y encaminada hacia la sencillez. El
movimiento artístico es denominado Pictoralista, influenciado por el
impresionismo. Se refleja sobre todo en retratos (femeninos) y paisajes.
Debemos mencionar a Henrich Kühn, Demachy, C. Puyo y Polak, quienes recrean
cuadros de los maestros nacionales. Esta corriente pictoralista tiene una serie
de objetivos y reglas como son su inspiración en la pintura de la época,
importancia en la educación de la visión, armonía de línea, volúmenes y planos
con la simplificación del tema sin detalles ni nitidez. Aparecen objetivos de
artistas, lo que va a suponer un retroceso técnico de la óptica, procurando
obtener una imagen imprecisa llegando incluso al extremo de recurrir a la
cámara oscura sin lente. El concepto “impresiones nobles” se refiere a los
diferentes procesos para alterar la imagen fotográfica mediante manipulaciones
de laboratorio.
En 1902 se funda
el movimiento Photo-secession inspirándose en el movimiento secesionista de los
pintores en Munich. Este grupo reúne a notables fotógrafos: Gertrude Käsebier,
E. Steichen y Clarense H. Waite; todos ellos liderados por norteamericano
Alfred Stieglitz (1864-1946). Su finalidad va ha ser desprenderse de la
tendencia pictoralista e imponer la idea de una foto pura y libre de
manipulaciones.
Dentro de las
modas populares haremos una leve mención a los montajes y las postales. Estas
últimas al comerciarse con la fotografía inundarán el mercado con una marcada
pretensión artística. En 1908 las fotos trucadas ya estaban desprestigiadas por
algunos críticos pero aun así perdurarán.
Aparecen
simultáneamente a las corrientes anteriores J. A. Riis (1849-1914) quien cubrió
la prensa criminal en Nueva York y también sacaba fotografías por sorpresa con
una cámara disimulada. También fue el primero en utilizar magnesio, que
prefiguraba el flash (inventado en Alemania en 1887). Publicó una serie de
selecciones fotográficas de barrios pobres de Nueva York y clases marginales que a pesar de las duras
críticas recibidas dejan una clara denuncia de la realidad social. En 1892 hizo
otra recopilación sobre niños pobres lo que sería una anticipación a la labor
de Hine (1874-1940), quien también usó la luz de magnesio. Su principal tema es
mostrar la explotación trabajadores lo que influyó que fuese contratado por el
Comité Nacional de Trabajo Infantil y que contribuyese para una ley de
protección laboral para menores.
Destacamos la
personalidad del fotógrafo Atget (1856-1927), quien es un curioso personaje
francés que recopila fotos de la ciudad: escaparates, vendedores, prostitutas,
monumentos... ; sin pretensiones artísticas. Como Riis y Hine no tiene fines
estéticos pero permanecen entre las fotografías más importantes de la historia,
tal vez por no pretender equiparar fotografía y pintura.
En 1886, Nadar
hizo la primera entrevista fotográfica tras la cual profesionales se
especializaron en fotos de moda y de teatro.
Muchos
fotógrafos, hasta 1914, buscaron la simplificación del procedimiento con la
placa seca y luego el carrete, llevando esto a la reducción del tamaño y peso,
consiguiéndose la “instantánea”.
LA FOTOGRÁFIA ESPAÑOLA
Fue
introducida en España al mismo tiempo que en los demás países europeos.
Rápidamente surgirían profesionales y aficionados, atrayendo a bastantes
extranjeros lo que supuso un intercambio internacional. Hay que lamentar que
muchos de estos testimonios fueron destruidos.
LA DESCOMPOSICIÓN DEL MOVIMIENTO
Después de
captar el movimiento en un punto de su desarrollo gracias a la instantánea,
solo había un paso para la descomposición del movimiento, se trató de cogerlo
en sus fases consecutivas. Es aquí donde se ve con certeza la herencia que el
cine, al ser este hijo directo de la fotografía, lleva de los distintos
descubrimientos que aparecieron en el siglo XIX, basados en el fenómeno de la
“persistencia retiniana”.
Los primeros
trabajos que analizaron el movimiento se deben a Eadweard Muybrigde
(1830-1904). Hacia 1868, el médico francés Etienne-Jules Marey, cuyas fechas de
nacimiento y muerte coinciden con las de Muybrigde, empezó a dedicarse al
estudio delos movimientos del caballo, y en 1872, Muybrigde, consiguió una
subvención para estudiar la cuestión mediante la fotografía. En 1878, Muybridge
realizó la serie de fotografías al galope de una yegua con 24 cámaras colocadas
en hilera, cuyos obturadores eran accionados por unos cables que rompía la
yegua al pasar. El resultado demostró que los cuatro cascos de un caballo al
galope despegan del suelo a la vez. Muybridge colaboró con Marey en París, en
1881. Animado por la experiencia fotográfica, Marey decidió proseguir la
investigación, procurando obtener en un solo cliché el desarrollo del
movimiento. Para ello, ideó la manera de sacar varias imágenes en un mismo
modelo en diversas posturas, disparando la máquina en intervalos regulares
sobre un fondo negro. La invención de su “fusil fotográfico” con cliché
circular data de 1882, muy importante para la invención del film.
Desde el punto
de vista artístico o estético puede apreciarse como por un fenómeno de rebote,
la experiencia inicialmente fotográfica pasa a la pintura (Duchamp, Balla, y
otros futuristas).
Además de la
aplicación práctica de la instantánea para determinar el ganador de una
carrera, por ejemplo, las fotografías realizadas con flash estroboscópico por
Harold Edgerton (1903-1990) y Gjon Mili (1904-1090), nos mencionan otra vez la
exposición múltiple de un mismo modelo dinámico.
LA TERCERA DIMENSIÓN
El intento de
obtener imagen en relieve data de los conocimientos de la fotografía.
Inspirándose en conocimientos que provienen de la antigüedad, Leonardo da Vinci
explicó el fenómeno de la visión binocular cuya síntesis ofrece la sensación de
relieve. El físico inglés Charles Wheatstone (1802-1875)fue el primero en idear
un aparato para proporcionar la visión en relieve, era el estereoscopio.
Presentado en 1838, el aparato permitía la visión correspondiente a los 65 mm
de distancia que hay entre los ojos. Todo ello gracias a la fotografía. A Sir
Brewster (1781-1868), físico escocés inventor del caleidoscopio, se debe el
propósito de obtener imágenes estereoscópicas por medio de la fotografía.
Sacando dobles fotografías con cámaras especiales creadas por Duboscq. La
técnica del estereoscopio evolucionó a lo largo de la segunda mitad del siglo,
del estereodaguerrotipo al veráscopo de Richard. Fue muy popular esta practica
desde el siglo XIX y principios del XX.
El procedimiento
de Louis Ducos du Hauron fue patentado en 1891 con el nombre de anaglyphe
(anaglifo); y consiste en la reproducción conjunta de dos imágenes con el
decalage correspondiente a la distancia binocular, cada una de un color
complementario (en general rojo y verde). El relieve se consigue al mirar la
doble imagen con gafas cuyos cristales son cada uno de un color.
En 1939, Maurice
Bonnet presentó la reliografía, inspirada en trabajos anteriores. Esta permite
obtener una serie de imágenes de un mismo modelo (dos perfiles y un frente),
mediante cámaras parecidas a las de Muybridge. A estas imágenes se les aplica
una red selectiva lenticular, a través de la cual el espectador selecciona la
visión en una infinidad de ángulos distintos y sucesivos. Este sistema nos es
familiar por un tipo de postales o anuncios en los que aparece, por ejemplo, n
personaje que, según el ángulo de visión, se ríe o está serio.
De más porvenir
fue la holografía, por Dennis Gabor, que anticipa la idea de una imagen total. Pero fueron Leith y Upernicks
de la universidad de Michigan los que lograron un holograma perfecto utilizando
un rayo láser, en 1962.
EL COLOR
Niépce y Dagueere se lamenteron de no poder
reproducir los colores en la superficie sensible. Tanto Abel Niépce, como
Alphonse Poitevin y Edmond Becquerel obtuvieron resultados de sus
investigaciones, pero ninguno concluyente.
Charles Cros y
Louis Ducos du Hauron coincidieron en mandar, el mismo día 2 de mayo de 1869, a
la Sociedad francesa de Fotografía métodos similares sobre la reproducción de
los colores en fotografía. Ducos (1837-1920) obtenía sucesivamente tres
negativos del mismo tema mediante un filtro colocado entre el objetivo y la
placa. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para
cada negativo. El positivo transparente se conseguía con la utilización del
colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. La tricomía
es el principio de todos los métodos de fotografía en color, ya sean aditivos o
sustractivos.
Después de los
procedimientos que necesitan tres negativos, los sistemas de reticulados o de
mosaicos simplificaron mucho el proceso, ya que obtenían la selección de los
colores primarios en una sola superficie. El procedimiento Autochrome, lanzado
por los hermanos Lumiére en 1908, se utilizaron algunos años y se abandonó por
ser costoso. Una fotografía autocromada mirada con lupa o ampliada, nos da la
misma impresión visual que la de un cuadro puntillista.
La invención de
un procedimiento sin reticulado, consistente en la superposición de tres
emulsiones y tres filtros en el cuerpo de la materia sensible, se logró por
primera vez en 1911 con el revelado cromogeneo del alemán Rudolf Fischer,
precursor del actual Agfacolor. Los trabajos de Leopold Mannes y de Godowskien
1935, abocaron al lanzamiento del procedimiento Kodachrome. Los procedimientos
actuales participan todos del mismo principio. Las tres capas de emulsión se
hallan superpuestas sobre la misma película y con un grosor total no superior
al de una película normal en blanco y negro. Las capas se revelan sucesivamente
con reveladores copulares que convierten el bromuro de plata en colores
determinados. Luego, por reversión de estos colores, se logra la restitución
final de la imagen positiva en una diapositiva única. La s emulsiones negativas
se complementan con papeles especiales para positivas en color, con tres capas
sucesivas.
El mundo de la
fotografía en color es inmenso, pero no hay que pensar que la fotografía en
blanco y negro ha muerto, como dijo Edward Weston en 1947, son dos medios
distintos cuyos fines son diferentes.
LA TÉCNICA DEL LENGUAJE FOTOGRÁFICO
La fotografía
abarca múltiples ramas. Entre ellas podemos destacar las aplicaciones
científicas, médicas, biológicas, ecológicas, etc. También otras más banales
como la fotografía de prensa gráfica, aficionada, posters, fotomatón,
fotocopia... Aparte de las “impresiones nobles” hay dos grupos la visión
fotográfica y técnica especiales e incluso trucos. En la primera de ellas nos
referiremos al “ojo único” y se refiere a la luz exterior, velocidad de
disparo, apertura de diafragma y sensibilidad de la película. El termino
“flou” se emplea como definición
perfecta, de contraste, etc. Para ello hay que tener en cuenta el formato
elegido, el encuadre y el tipo de objetivo según su distancia focal, que puede
jugar con la perspectiva normal, el gran angular o el incluso llamado “ojo de
pez” y el teleobjetivo.
Al tratar las
técnicas especiales las integraremos en una nueva expresión plástica; por
ejemplo: macrofotografía (foto directa de objetos pequeños de una imagen de
dimensión superior de lo que es) ; fotografía del infrarrojo (para radiaciones
espectrales); efecto Sabattier o seudoinsolación (expone por segunda vez un
negativo, ya revelado, y no fijado, que luego se revela otra vez y se fija, muy
usado en el siglo XX por Man Ray); fotograma o imagen (impresión directa de
siluetas de objetos en el papel sensible sin el intermediario de la cámara,
utilizado por la Bauhaus);
fotopanorámica; el uso del flash estroboscópico permite sacar fotografías de
una nitidez perfecta de un objeto a gran velocidad (relámpago); instantáneas
ultrarrápidas y también al contrario; vortofotografía obtenidas con reflejos de
espejos (asemeja la fotografía al cubismo); schadografía (1918 dentro de las
actividades dadaístas); fotomontaje ( puede ser denominado collage); técnica de
la distorsión de papel fotográfico receptor de la ampliación (logrando
deformaciones de la imagen proyectada); y la secuencia fotográfica (que se
puede emparentar con el comic).
LA FOTOGRÁFIA EN EL ARTE
El papel técnico
de la fotografía como auxiliar en los estudios de arte, arqueología,
restauración artística y en la divulgación cultural. En el plano de
conservación y restauración debemos mencionar que el primer laboratorio creado
en un museo fue en 1882, en Berlín, a los que siguieron otros en importantes
capitales. Se empleó en la pintura para el estudio y análisis de los pigmentos
y los soportes. Destacaremos la macrofotografía para conocer su estado de
conservación, restauraciones sufridas y también falsificaciones; la luz rasante
y de radiografía para reconstruir historial d una obra, dirección de las
pinceladas y los esbozos superpuestos; infrarrojos, ultravioleta y filtros
naranjas, que por ejemplo se usan mucho para el estudio de las firmas de las
obras. Las posibilidades son casi infinitas y pueden ser de los más
sofisticadas. También para sustituir originales conservados en la reserva de un
museo.
La Premiere
Mundial de fotografía arqueológica y monumental se la debemos a José Escalante
y González quien en 1880 fotografía las cuevas de Altamira. La fotografía aérea
también se utiliza para localizar asentamientos de civilizaciones perdidas que
no se aprecian a nivel del suelo. La fotogrametría determina la dimensión de
los objetos, aplicándose en la cartografía y también en los monumentos y conjuntos
arquitectónicos.
La fotografía
como divulgación del arte, al principio tuvo defensores y detractores, hasta
que entró en el mundo comercial como reproductor sistemático de las obras de
los museos; creándose catálogos, colecciones, etc. de museos de todo el mundo.
Más tarde los
libros ilustrados comprenderán cualquier temática.
¿Es arte la fotografía?
Desde sus
principios la fotografía se desarrolla paralelamente a las artes plásticas. El
hecho de que la fotografía haya reemplazado en parte a la pintura y a la
miniatura para el retrato, y luego al dibujo y al grabado para la ilustración
de textos, obligó a muchos profesionales a ejercer la nueva profesión de
fotógrafo. La opinión de que muchos fotógrafos fueron pintores fallidos, quizás
sea un error en el sentido de que la fotografía se desarrolla paralelamente al
auge del realismo. Baudelaire, enemigo del realismo, critica la fotografía, “
el credo actual es que el arte es y no puede ser más que la reproducción exacta
de la naturaleza. La industria de la fotografía era el refugio de todos los
pintores frustrados, mal dotados o demasiado perezosos para acabar sus
estudios. (...) Progresivamente, el arte se pierde respecto a sí mismo, y el
pintor tiende cada vez más a pintar, no lo que sueña, sino lo que ve.
Pero conocido es
el interés que los pintores prestan al nuevo descubrimiento desde sus inicios.
Delaroche, aunque no ha quedado como un gran pintor, su opinión pesaba en la
época y ayudó a imponer el reconocimiento de la fotografía. Convendría citar
ahora algunos de sus discípulos: Le Gray, Fenton, uno de los Bisson, etc.
Delacroixe aportó su apoyo a la fotografía cuando fundó la Société
héliographique y no se sumo al ensañamiento de algunos artistas cuando se trató
de reconocer los derechos de los fotógrafos.
Según Juan
Antonio Ramírez “la fotografía no es realidad. La percepción humana natural es
más perfecta.” Roman Gubern apoya esto diciendo que la fotografía congela la
imagen en unas imágenes de iluminación dadas.
Ramírez prosigue diciendo que la fotografía como medio de expresión
popular se atiene como punto de referencia al modelo establecido que representa
la pintura. Posiblemente la fotografía abrió a la pintura un campo hasta
entonces insospechado, alejando cada vez más del cometido de reproducción o de
representación de la realidad. En cambio el arte hiperralista vuelve a unas
imágenes más fotográficas que la propia fotografía, mientras esta pasaba por
una corriente abstraccionista inspirada en la pintura.
Esta idea la formulan tanto Walter Benjamín
“en vano se aplicó por de pronto mucha agudeza para decidir si la fotografía es
un arte (sin plantearse la cuestión previa sobre si la invención de la primera
no modifica por entero el carácter del segundo)”, como Susan Sontag “liberada
por la fotografía del trabajo ingrato de una reproducción fiel, la pintura
podía dedicarse a la tarea más noble de la figuración abstracta.”, “la
fotografía ha permitido también desde sus principios, pretender que la noción
misma de arte ya estaba caducada.”
A partir de la
época pictoralista, llega un fenómeno de rebote y no se sabe que opinar frente
a una visión fotográfica de la pintura y el afán pictoralista de los
fotógrafos.
El artista puede
tener varias actitudes con respecto a la utilización de la fotografía, servirse
de ella como apunte, inspirarse en ella, o asimilar la visión icónica de esta y
restituirla consciente o inconscientemente en su obra, o en fin puede
utilizarla directamente como medio de expresión.
Unos cuantos
pintores utilizaron la fotografía como fuente directa de inspiración o para
sustituir un modelo. Octavius Hill y Nadar pasaron a la fotografía después de
haberla usado como mero apunte. J. D. Ingres (1780-1867) utilizó un
daguerrotipo de su invención como punto de partida para el retrato de la
Condesa de Haussonville, aunque negara a
la fotografía un valor artístico. Delacroixe también usó fotografías como
modelos, pero su postura con respecto a esta es muy interesante: “a esos
artistas que en lugar de tomar el daguerrotipo como un consejo hacen de él el
cuadro mismo, su trabajo no es más que una copia de esa copia imperfecta.
Gustave Courbet, figura central del realismo, también se inspira directamente
en fotografías de Villeneu. Javier Herrera Navarro subraya el interés de
estudiar la influencia de la fotografía en el impresionismo. Su estudio se
centra en la “Ejecución del Emperador Maximiliano” de Eduart Manet (1832-1883)
inspiradas en una serie de fotografías contemporáneas identificadas. En todos
estos casos la fotografía es mero punto de partida que luego permite dar su
medida de creatividad. Entre los impresionistas es Edgar Degas el que sabe
captar más completamente la aportación visual de la fotografía, asimilada y
restituida en una expresión pictórica propia. Sobre esto Georges Potonnieé
dice: “es innegable que la visión rápida del objetivo fotográfico enseñó a los
pintores actitudes expresivas del movimiento. Enfocado con indolencia o
capricho, el objetivo fotográfico hizo que se desmoronaran piezas que este no
apuntaba. Nos ha acostumbrado a unas perspectivas basculadas o a unas
deformaciones imprevistas. Parte de las obras de Degas podrían titularse los
azares imprevistos de la instantánea.” El cartelista Alphonse Marie Mucha
realizó gran número de fotografías, muchas de ellas utilizadas directamente
como modelo de sus obras, numerosas fotos suyas aparecen cuadriculadas, con su
modelo en actitud idéntica a a que tienen conocidas obras suyas. En la
actualidad, muchos pintores siguen utilizando la fotografía a modo de apunte.
A los
movimientos artísticos que nacen alrededor de la Primera Guerra Mundial se debe
el haber considerado la fotografía, no como mero documento sino como medio de
expresión plástica.
John Heartfield
(1891-1968)comparte con el dadá Raoul Haussmann la paternidad del fotomontaje
artístico. Lo empleó acertadamente como sátira política y como vehículo para
expresar su ideología marxista y su oposición al incipiente nazismo. El ruso
Alexander Rodtchenko (1891-1956) pertenece al movimiento constructivista
barrido por ek realismo socialista de la era stalinista. Utilizó el fotomontaje
especialmeten para ilustrar poemas de Maiakovsky. En Nueva York, Alfred
Stieglitz fomentó tanto la fotografía como la pintura vanguardista, con Camer
aWork y la galería 291. Alternó con las fotografías cuadros de Matisse, Max
Weber, John Marin, Hartley, Reinor, Cézanne, Manet, Picasso, Braque, Picabia,
Gerorgia O’Keefe (mujer de Stieglitz), esculturas de Rodin, de Brancusi, etc.
Así muchos artistas expusieron por primera vez en tierra americana, merced a la
iniciativa de Stieglitz y de la 291, antes de la resonante muestra del Armory
Show en 1913. Marcel Duchamp perteneció al movimiento; además de su Desnudo
bajando la escalera, directamente inspirado por la cronofotografía, su interés
por los ready made u objetos corrientes elevados a la categoráide obras de
arte, prefiguraba el gusto de los surrealistas por el objet trouvé.
Procedente
de Dadá y del grupo de Steglitz, Man Ray (1890-1976) es el mayor representante
de la fotografía surrealista y se le considera ahora casi más como fotografo
que como pintor. Las fotografías de objets trouvés, los fotomontajes y los
llamdos rayogramas, junto con la seudoinsolación fueron sus principales fuentes
de expresión. Entre lso surrealistas, max Ernst y Paul Eluardemplearon también
el fotomontaje, a nivel de collage; aunque también el surrealismo supo arpeciar
fotorgafúias anónimas y de otros autores ajenos al movimiento. En la revista
del movimiento, La RévolutionSurréaliste, se publicaron fotografías de Atget,
reconociéndole así en la visión surreal de lo cotidiano. La introducción del
desnudo femenino en situaciones insólitas fue también un tema de la fotografía
surrealista, poco divulgado porque la legislación lo vedaba.
El checoslovaco Frantisek Drtikol (1883-1961)
que se dedicó casi exclusivamente al desnudo fotográfico, realizó fotos de
corriente pictoralista y en los años 20, de tendencia Art decó.
La gran escuela
de creatividad que fue la Bauhaus durante la Republica de Weimar cuenta entre
sus maestros al húngaro Lazlo Moholy-Nagy (1895-1946) qu etras su emigración a
Estados Unidos a causa del embate nazi, empezaría a desarrollar hondas
investigaciones en materia de fotografía, siendo el introductor de la sección
fotográfica de la Bauhaus.
Gran
teórico, Moholy estaba firmemente convencido del valor artístico de la foto,
considerando que es el medio de expresión que utiliza la luz, utilizabdo el
fotograma con un rigor técnico que le distingue completamente del carácter
lúdico de Man Ray.
Moholy utilizó
todas la posibilidades técnicas: ampliación, montaje, doble exposición, vistas
en picado, etc. Moholy-Nagy dejo la Bauhaus a finales de 1928, pero siguió su
labor fotográfica en Berlín, influyendo a los grafistas alemanes.
Prosiguió su
docencia en al New Bauhaus de Chicago incluyendo en ella fotografía. Walter
Peterhans (1897-1960), Herbert Bayer, Paul Citröen, Lucia Moholy, Florence
Henri y Wols (Wolfgang Schulze, 1913-1951) son un ejemplo de fotógrafos que
formaron parte de la institución Bauhaus.
Después de la
Segunda Guerra Mundial, nacen nuevos movimientos plásticos que recurren a la
fotografía como punto de partida o como medio de expresión.
La irrupción del
pop-art en el mundo anglo-sajón puede remontarse a al serie de caras torturadas
(sobre la película se Eistein, “El Acorazado Potemkin”) realizadas por Francis
Bacon, así como sus estudios inspirados en las fotos de movimiento de
Muybridge. Dentro del movimiento, las composiciones de James Rosenquist y las
de Andy Warhol son las más ilustrativas de la aportación estadounidense.
(Marilyn Monroe, Latas de sopa Cambell) La corriente del pop-art, basada en
juegos ópticos, tenía que encontrar aplicaciones sugerentes en fotografía;
reduciéndose en realidad al empleo de tramas que presten una construcción
geométrica a la foto.
Los últimos
movimientos vangurdstas que han utilizado la fotografía son: Mailing art,
Happening, Body art, Land art... En estos casos el papel de la foto es
meramente testimonial y no difiere en nada del documento registrado. Más importante
nos parece la utilización de la foto en el Arte Conceptual. El Concepto
brindado al espectador puede ser muchas veces fotografíco. Un concepto complejo
puede expresarse con un mensaje, o por una secuencia, que es un modo de
expresión eminentemente fotográfico.El fotógrafo americano Duane Michals (1932)
es el mayor exponente de la fotografía secuencial, expresando con este medio el
concepto de transcurso temporal. Josef Kossuth cuyas “sillas” recurren a al
utilización del asiento acompañando al objeto. Por último Kenneth Josephson
recurre a al foto dentro de la foto, recogiendo en una sola imagen el original
y su reproducción.
El interés
generalizado por la abstracción cundió después de la Segunda Guerra Mundial e
hizo que algunos fotógrafos quisiesen expresar a través de imágenes no
figurativas. Nos encontramos otra vez con un fenómeno análogo al e los
pictoralistas de la belle époque. Sim embargo el objetivo de la cámara tan sólo
puede registrar lo que tiene delante, si se quiere obtener una abstracción de
la realidad, parece que la unica solución está en saber aislar formas reales
que se asemejen a una imagen abstracta. Minor White obtuvo formas abstractas de
paisajes cuyos grandes espacios formaban composiciones no figurativas. Francis
Bruguiére (18880-1945) se basó en juegos de luces. Aarón Siskin, cuyas ibras se
emparentan son las pinturas de Jackson Pollock. Todas estas composiciones
ofrecen imágenes de gran calidad sin ninguna manipulación suplementaria. Es el
belga Pierre Cordier(1933) el que vuelve al laboratorio para lograr imágenes no
figurativas a base de mascarillas o pantallas utilizadas durante el revelado
para contrarrestar la acción del baño.
Todo esto creará
una nueva visión en el arte. Un texto de 1844 así nos lo indica: “Cuando uno
quiso copiar la vista que se le ofrecía desde su ventana, se extasiaba con
todas aquellas cosas que siempre hemos visto.” Está posibilidad de aislar
también la resaltaba André Malraux y Emile Zola. Paul Valery apunta: “el grado
de precisión que puede pretender el lenguaje o la escritura es ilusorio
comparado con la cámara oscura.” Ptonnieé ilustra esta cita con el ejemplo de
un pasaporte, cuya fotografía en infinitamente más documental que los datos
escritos. Pero Susan Sontag rebate esta cita: “el escritor que pinta los rasgos
de una persona o de una paisaje sugerirá tantas visiones diferentes como
lectores tenga.”
Estas son las
limitaciones y las posibilidades de la fotografía en un último cuarto de siglo
XX. Es un momento en que la foto, cada vez más reconocida, resulta al mismo
tiempo como más perdida entre las múltiples actividades de nuestra sociedad de
consumo. El numero de aficionados es siempre mayor y se extiende al mundo
entero, a todas las edades y todas las capas de la sociedad. En 1944,
Moholy-Nagy escribía: “la total mecanización de la técnica puede no ser un
peligro para su esencia creadora. Los problemas de ejecución son importantes
sólo en cuanto que la técnica adoptada debe ser plenamente dominada. La pintura
la fotografía, la cinematografía ya los efectos de luces ya no pueden ser
celosamente separados unos de los otros.” Para concluir citaremos unas palabras
de Susan Sontag: “la pintura y la fotografía no son tan sólo dos sistemas de
producción y de reproducción de imágenes. Mucho más importante que el problema
de saber si la fotografía es o no es una arte auténtico, es el hecho que nos
permite conocer las obras de arte, las crea subes, y que está en el origen de
nuevas ambiciones artísticas.”
PANORAMA DEL SIGLO XX
Con la Primera
Guerra Mundial, la fotografía se utilizó a nivel táctico y se desarrollaron las
vistas aéreas. Acabada las guerra, la ilustración fotográfica en todo tipo d
libros ayudada por los grandes progresos de la fotomecánica permiten acumular
imágenes del mundo entero. El retrato comercial se divulga por doquier y se
implanta en todas las capas de la sociedad hasta la Segunda Guerra Mundial;
luego retrocede ante el empuje de la fotografía de aficionado.
Los movimientos
artísticos del siglo utilizan la foto o
la tienen en cuenta de una u otra forma. Rompiendo con el pictoralismo surge
una nueva corriente que abandona deliberadamente las impresiones nobles y todos
los procedimientos utilizados por movimientos como el surrealismo o la Bauhaus.
Se abandona la imagen floue para buscar una mayor nitidez, temas variados, y el
examen riguroso de lo cotidiano, los objetos, y la naturaleza. Esta corriente
nace simultáneamente en Estados Unidos y en Europa.
Edward Stichen, miembro de Photo-Secession (creada por
Stieglitz), abandona la pintura y el pictorialismo en 1914 y se dedica a una fotografía
cada vez más exigente a nivel técnico. Cultivará del desde el retrato hasta la
foto publicitaria y de moda. Paul Strand (1890-1976) fue alumno de Lewis Hine
el Ethical Culture High School, en 1909; estuvo vinculado a Photo Secessión
antes de la guerra y su amistad con Stieglitz hizo que este le acogiera en su
Intimate Gallery en los años 20. sus imágenes son de gran calidad técnica.
Después de una época no figurativa, se dedicó un tiempo al cine, realizando la
película de vanguardia Manhattan. Supo poner su técnica rigurosa al servicio de
la fotografía directa (Straigth Photography), reflejando con un lirismo
contenido el medio circundante, la vida de la gente, los vegetales. Edward
Weston (1886-1958), a sus 25 años se especializó en retratos infantiles. En
1922, su encuentro con las obras de Stieglitz de Strand y de Sheeler le incitó
a dedicarse a una búsqueda formal, abandonando la foto comercial. Al principio
de los años 20 busca nuevos ángulos de visión, recogiendo aspectos de paisajes
industrailes con
tendencia
abstracta. En 1923 viaja a México y se integra en el mundo artístico,
frecuentando a los pintores Diego Rivera, Orozco y Siqueiros. En 1927 vuelve a
estados unidos
siendo
esta la época de sus obras más significativas. En 1932, junto con Ansel Adams,
primero, y después con William van Dyke, Imlgen Cunningham y otros jóvenes
fotógrafos, Weston funda el grupo f/64, cuyo nombre resume muy bien el
propósito fundamental del grupo: consecución de una imagen de gran nitidez
mediante el diafragma más reducido del objetivo. El grupo no duró más de dos
años y , al año de su fundación, Weston se retiró a Carmel. Ansel Adams (1902-1984) era en principio
pianista, para en 1930 dedicarse a la fotografía. Dos años más tarde participó
en f/64. sus paisajes californianos son composiciones muy estilizadas, donde
dominan líneas horizontales y verticales cuyo rigor y armonía parecen
directamente herederos de su formación musical.
Imogen Cunningham (1883-1978) aparece también
entre los fundadores del grupo californiano. Esta mujer que estudió química,
trabajó en el estudio de Edward S. Curtis y se adiestro en las tiradas de
platino de los negativo que Curtis realizó en las reservas de indios. Sus
primeros planos de flores son lo más representativo de su obra.
En Alemania,
Albert Renger-Patzch (1897-1966) es el más representativo de esa Nueva
Objetividad fotográfica surgida al terminar la guerra. El libro de
Renger-Patzch, Die Welt ist schön (el mundo es bello), publicado en 1928,
reivindica para la fotografía la posibilidad de crear con sus propios medios
imágenes que existian por sí mismas, sin tener que deberle nada a la pintura.
August Sander (1876-1964) se dedicó profesionalmente a la foto a partir de
1902. En los años 20 empezó una serie de retratos de Hombres sin máscara,
recogiendo una vasta galería de personajes anónimos, tipificando las
profesiones y extractos sociales. En 1934, parte de sus negativos fueron
secuestrados por la GESTAPO, porque su visión de la sociedad no correspondía
con el ideal nacionalsocialista.
En Francia, la
llamada escuela de París nace en los años 20, encabezada por una mujer; Lure
Albin-Guillot que, además de grandes composiciones decorativas, se dedicó al
retrato y realizó también portentosas micrografías en color de minerales y de
materias orgánicas, que constituyen preciosas composiciones abstractas.
Emmanuel Soguez (1889-1972), ilustró libros de arte y dirigió el servicio
fotográfico de L’Illustration. Realizó fotografía artísticas, la mayoría de
gran formato, en las que prevalecían bodegones y desnudos. Fue uno de los
fundadores del grupo Le Rectangle de entre guerras, cuyos principales miembros
volvieron a agruparse en Les XV. Los componentes de esta grupos son: Daniel
Masclet (1892-1969) este violonchelista realizó una importante labor crítica y
docente y fundó el Salón del desnudo; Willy Ronis; Pierre Jahan; René-Jacques,
y Robert Doisneau, nacido en 1912, Doisneau cultivó la fotografía después de la
Segunda Guerra Mundial, abandonando la litografía. Las fotografías de Doisneau
son reflejo de su personalidad: fino conocedor de París y de su pueblo, sabe
captar un instante, una situación, con rara mezcla de ternura y de ironía.
En EEUU hay unos
fotógrafos que sin pertenecer a f/64 merecen considerarse como sus herederos,
al estar relacionados con los miembros del grupo californiano. Wynn Bullock
(1902-1975) abandonó el canto y supo compaginar la enseñanza de Molí-Nagy y de
Man Ray con el descubrimiento posterior de la obra de Weston. Sus composiciones
presentan a menudo una figura humana en el vasto entorno del paisaje americano.
Supo aplicar en sus fotos sus teorías sobre espacio y tiempo.
Stieglitz,
aplicando como éste el término de equivalencias a unas imágenes que
recogen en la naturaleza o los paisajes urbanos unas materias y formas cercanas
a la abstracción.
Brett Weston,
nacido en 1911, es el segundo hijo del gran Weston. Ayudó a su padre a realizar
las tiradas de su obra al final de su vida. Sus fotos, de gran calidad técnica,
registran paisajes californianos y vistas urbanas: en todas tiene muy en cuenta
la calidad de la tirada y es bastante reacio a su reproducción
fotomecánica.Simultáneamente al desarrollo de la foto en los movimientos
artísticos y a la corriente de la nueva objetividad se dibuja una tendencia que
se conoció mas adelante bajo el nombre de Live Photography. Esta forma
de apoderarse del “momento decisivo”
procede en gran parte del reportaje gráfico y resulta difícil delimitar
dónde empieza uno y donde termina otro.La introducción de la cámara Leica, de
pequeño formato, inventada por el ingeniero alemán Oskar Barnack (1879-1936)
propició esta nueva forma de cazar imágenes.Weegee (seudónimo de Arthur H.
Fellig, 1899-1969) recogió la realidad callejera y la violencia de la vida de
Nueva York.
Tardó en ser
reconocido el valor testimonial de sus fotos, desprovistas de pretensión
estética.André Kertesz (1984) ya había practicado la fotografía en Hungría. Al
llegar a París hacia 1925, su contacto con el mundo artístico de Montparnasse
transformó su visión. Aparte de insólitas estampas de la ciudad, se dedicó
también a realizar desnudos distorsionados muy peculiares.A Kertesz se debe el
haber iniciado en la fotografía a Brassai (seudónimo de Gyula Halasz
[1899-1984]). Sus imágenes de los suburbios parisinos de los años 30 son
antológicas. Bares, bailongos, prostitutas y proxenetas, el mundo de Brassai es
reconocible entre todos. También recopiló retratos de sus amigos: Picasso,
Miró, Braque, Max Ernst, Dalí. Bill Brandt, londinense (1905-1983), fue
discípulo de Man Ray. Sus retratos, sus desnudos, sus vistas de la ciudad que
reunió en el libro London by night, son lo más representativo de su
obra.
La crisis del 29
alcanzó muy especialmente al campesinado estadounidense. En 1935 se crea la Resettlement
Administration. Tugwell, catedrático de económicas, asistido por Roy
Emerson Stryker, recurrió a la fotografía para documentar los trabajos que
había de emprender la entidad. En 1937 se convirtió en Farm Security
Administration. El más importante de los fotógrafos contratados para recopilar
fotografías sobre la condición campesina fue Walker Evans. Dorotea Lange se centró sobre la corriente
migratoria hacia California. Más adelante realizó reportajes para Life
en Latinoamérica y Asia.
Margaret
Bourke-White además de su actuación en la Farm Security realizó innumerables
campañas para Life a cuya plantilla perteneció desde los principios. Su
reportaje sobre la liberación de los capos de deportación nazi puede
considerarse como la culminación de su carrera. Fueron muchos los fotógrafos
que participaron en esa labor: Ben Shahn, Arthur Rothsein, John Collier o Theo
Jung. Mención aparte merece Gordon Parks, su condición de negro le ha llevado
especialmente a recoger documentos sobre la vida de sus hermanos en la sociedad
americana.
Además de Helmer
Lerski o de Curtis Moffat, el retrato persiste entre fotógrafos más jóvenes.
Diane Arbus (1923-1971), empezó como fotógrafa de moda pero a partir de los
años 60 se dedicó a retratar subnormales, lisiados, travestis, toda una
población marginal. La elección obsesiva de sus modelos refleja una
problemática vital que la abocó al suicidio. Richard Avedon se dedicó a
retratar personajes famosos con expresiones caricaturescas, subrayando y
desorbitando los defectos y las muecas. Anteriormente, Hugo Erfurth realizó
retratos que constituían estudios psicológicos. Philippe Halsman es conocido
por sus retratos en los que intenta captar lo esencial del modelo, sin buscar
efectos plásticos especiales. Apuntar también la labor de Yousf Karsh, Arnold
Newman e Irving Penn.
En 1955, Edward
Steichen organiza en el Museum of Modern Art la gran exposición The Family
of Man, selección de unos dos millones de fotografías recopiladas en el
mundo entero, reflejando todo lo que constituye la vida humana, de nacimiento a
al muerte y a todas las latitudes.
En Alemania,
después de la Segunda Guerra Mundial, Otto Steinert implanta la foto
subjetiva, movimiento que tiende a recuperar la creatividad aniquilada por
el nazismo. En Francia, mencionamos a Jean-Pierre Sudre con sus bodegones y a
Edouard Boubat delicado exponente de la corriente live.
En Italia,
Fulvio Roiter y Italo Zannier. La fotografía soviética no nos es
suficientemente conocida. Sin embargo, la Unión Soviética cuanta con reporteros
de calidad como Semen Osipovitvh Fridland o Dmitrij Baltermanc.
La foto de moda
tuvo importancia, ya que en ella se formaron muchos profesionales; su práctica
vino a sustituir el papel formativo del retrato en el siglo anterior.
LECTURA DE LAS IMÁGENES
¿Cómo
vemos las imágenes?
La percepción de
una imagen está en estrecha relación con la manera que cada individuo capta la
realidad, y también la historia personal. Las figuras que no están conformadas
totalmente, las completamos hasta ver su totalidad. Esto se llama
Reintegración. Los medios de comunicación lo utilizan para lograr una postura
activa del receptor.
Para Gestalt la
percepción tiende a complementar aquellos elementos que puedan dar definición, simetría, regularidad,
continuidad, unificación y forma a nuestra percepción.
¿Qué percibimos?
La percepción
selecciona solo a los que han despertado su atención. El número de elementos
que puede percibirse en un instante se llama Dimensiones Máximas de Atención.
¿Cómo
se organiza la percepción?
La forma más elemental de organizar la
percepción es separar el campo perceptual en dos partes: la figura y el fondo.
·
La figura, elemento dominante y unificado, es
el foco de la atención, mientras que el fondo es más difuso. Ambos interactúan
dinámicamente.
·
La publicidad utiliza muchos principios de la
percepción. Las cosas no siempre aparecen como realmente son. Lo que vemos o
escuchamos está mediatizado por diversos factores: psicológico, social e
histórico.
·
Continuidad. Los estímulos que tienen
continuidad sobresalen del fondo y se organizan juntos.
·
Proximidad. Cuando los estímulos están
bastante juntos tiende a agruparse. La proximidad espacial determina la
agrupación de elementos.
·
Semejanzas. Los objetos o
elementos similares tienden a agruparse por su forma, medida,
color o peso.
·
Contraste. Los estímulos que son diferentes a su alrededor llegan a constituir
una conformación.
·
Ilusiones La percepción es a veces engañosa, y la organización de que la
componen, por lo que atribuimos a una figura u objeto propiedades o cualidades
que no tienen.
·
Categorización. El hecho de
percibir un objeto d determinada manera y no de otra, está en estrecha relación
con los estímulos actuales sobre el mismo objeto y la experiencia que se ha
tenido previamente ante un estímulo semejante.
PEQUEÑO CURSO DE FOTOGRÁFIA
La cámara fotográfica
Principio de funcionamiento de la cámara
fotográfica: la cámara oscura.
La cámara oscura no es más que un cajón
herméticamente cerrado, al que se le ha practicado un pequeño orificio en una
de sus caras. Al situar este “ingenio” en un lugar bien iluminado, los rayos de
la luz pasarán a través del y darán lugar a una imagen invertida en la cara
opuesta del cajón. Si tapamos el orificio y situamos una hoja de material
sensible en el lugar donde se forma la imagen podremos obtener una fotografía;
para ello no habría más que destapar el orificio un determinado tiempo, volver
a taparlo, sacar la película en la oscuridad y revelarla. De esta forma
habríamos obtenido una imagen negativa que, una vez positivada, correspondería
a la realidad. Esta sería la forma más simple y rudimentaria de obtener una
fotografía, y constituye el principio de funcionamiento de la cámara
fotográfica.
Partes
de que consta la cámara fotográfica.
-Cuerpo
-Objetivo
-Visor
-Mecanismo de soporte y arrastre de la película
-Obturador
-Diafragma
-Disparador
-Mecanismo de enfoque
Tipos
de cámara
Existen numerosos tipos de cámaras
fotográficas, pero nosotros solo vamos a mencionar cinco de ellas:
1ª- Cámara de paso universal de visos
simple:
Ventajas:
·
Economía de coste y mantenimiento.
·
Ligera de peso y reducidas
dimensiones.
·
Error de paralelaje.
Impposibilidad, de la mayoría de los
modelos, de acoplar ópticas (teleobjetivos, grandes angulares) y otros
accesorios.
Es la diferencia que existe entre el encuadre observando en el visor de la cámara y el obtenido en la fotografía. Este se debe a la falta de convergencia entre el eje del visor y el eje óptico del objetivo.
2ª- Cámara réflex monocular de paso universal:
- Es la cámara más extendida entre el aficionado medio. Su único inconveniente es ser más cara que la anterior. Ventajas: todas las que puede ofrecer una cámara fotográfica que no dependan del formato de película utilizado. Este tipo de cámara admite todo tipo de objetivos y accesorios.
¿Qué es el sistema reflex?
Es el mecanismo que nos permite “ver” a través del objetivo lo mismo que quedará plasmada en la fotografía. Este sistema consta de un espejo situado detrás del objetivo que refleja la luz sobre un pantaprisma que a su vez la refleja sobre el ojo del fotógrafo.
3ª- Cámara reflex de formato 6x6.
4ª- Cámara reflex monocular de formato 6x6.5ª- Cámara de galería:
Ventajas:
·
Nitidez y grandes posibilidades de
ampliación.
Inconvenientes:
·
Poca versatilidad.
Visor.
·
Es la “ventana”a través d la que
miramos y encuadramos al imagen al realizar la fotografía.
·
El visor lleva incorporado una
pantalla de enfoque que según el telémetro puede ser:
·
Vidrio esmerilado. –Superposición
de imágenes.-Imagen partida.-Microprismas.
·
Además en el visor suele aparecer
información del fotómetro, diafragma y/o velocidad de obturación .
CONTROL DE LA LUZ
El diafragma
Es el orificio por donde entra la luz para
impresionar la película. Normalmente es regulable, es decir, podemos cambiar su
tamaño a voluntad; cuando fotografiemos en sitios poco iluminados necesitaremos
un orificio mayor que cuando fotografiemos a pleno sol.
La regulación de las aberturas de
diafragmas se realiza mediante uno de los anillos móviles del objetivo.
Normalmente es el situado al cuerpo de la cámara. Girando este anillo podemos
elegir el diafragma adecuado para cada fotografía.
A cada abertura le corresponde un numero
determinado que viene señalando en la escala del anillo. La enumeración normal
sería:
2,8
– 4 - 5,6 – 8 –11 –16 –22
Esos valores resultan de dividir el valor
de la distancia focal del objetivo entre el diámetro de cada abertura. Es
decir, un diafragma 4 en un objetivo de 50m, tendrá un diámetro 50/4=12,5m y un
diafragma 8 sería 50/8=6,2m, es decir cuanto mayor es el numero, menor es la
abertura y por tanto deja pasar menos luz. De esta forma tendríamos que el
diafragma 16 deja pasar el doble de luz que el 22; el 11 el doble que el 16...
el obturador
El obturador es, dicho de fora elemental,
la “puerta” que se abre y se cierra para que la luz pueda entrar en la cámara e
impresionar la película. El obturador se abre cuando accionamos el disparador.
El tiempo que permanece abierto es lo que
denominamos “velocidad de obturación”. Cuanto mayor sea la velocidad de
obturación menos tiempo queda abierto el obturador, que nos permitiría realizar
fotografías instantáneas de sujetos en movimiento.
Al igual que los diafragmas los valores de
velocidades de obturación están estandarizados y entre un valor y el siguiente
hay una relación doble:
1seg - ½ - ¼ - 1/8 - 1/15 - 1/30 - 1/60 –
1/125 - 1/500 - 1/1000
Aparte de estos valores en la escala
aparece el valor “B”, esto significa “exposición”. Al elegir este valor el
obturador permanecerá abierto tanto tiempo como mantengamos oprimido el
disparador.
Para evitar obtener fotografíoas movidas es
aconsejable utilizar trípode cuando se empleen velocidades inferiores a 1/30
seg.
el objetivo
Todo objetivo se caracteriza por dos
valores fundamentales: su luminosidad y su distancia focal. Su luminosidad
viene dada por abertura máxima de diafragma. Ej: 2,8 = f.
La distancia focal es la distancia en mm
desde el centro óptico de la lente hasta el plano de la película. Para una
cámara de paso universal el objetivo normal sería de 50mm. Con estas dos cifras
definiríamos a cualquier objetivo.
Los objetivos de distancia focal larga se
denominan Teleobjetivos y tienen la propiedad de acercar la imagen.
Los objetivos de distancia focal corta se
denominan Grandes Angulares y tiene la propiedad de alejar la imagen.
profundidad de campo
Concepto: es la porción del espacio que
aparece nítida en la fotografía.
factores que influyen n la profundidad de
campo:
a) Las distancia. A medida que nos acercamos al sujeto disminuye la
profundidad de campo. Si fotografiamos de cerca un ratón probablemente
obtengamos nitidez en su cabeza pero no en la cola.
control de la luz
Hasta ahora hemos visto dos factores que
influyen sobre la cantidad de luz que va a incidir sobre el material sensible:
-la abertura del diafragma –la velocidad de obturación.
En condiciones de baja iluminación
tendremos que elegir un diafragma muy abierto (2,8 ó 4) y/o una velocidad de
obturación larga 1/60, como máximo en caso de sostener la cámara a mano
Otro factor que influya en el control de la
luz es la sensibilidad de la película utilizada. La de un uso más corriente es
la de 100 ASA o 21Din.
Escala
de la sensibilidad
ASA 12
25 50 100 200
400 800 1600
DIN
12 15 18
21 24 27
30 33
Si con una película de 100 ASA hacemos una
fotografía con una abertura de 11, con una de 50 ASA tendríamos que hacerlo con
una de 8.
Como hemos visto tanto en las aberturas de
diafragma como en las velocidades de obturación. Como en las sensibilidades de
las películas existen la misma relación doble o mitad, según aumente o
disminuye.
Fotómetro
Es el aparato destinado a medir al cantidad
de luz que existe en un lugar determinado. La mayoría de las cámaras traen
incorporado un fotómetro conectado a la anilla del diafragma, a la velocidad de
obturación y a la sensibilidad de la película.
¿Para
qué sirve un fotómetro?
El fotómetro sirve para dar a cada
fotografía la exposición correcta.
Tipos de fotómetros
a) de luz incidente
b) de luz reflejada
Calculo
de la exposición correcta
2) Fijar una velocidad de obturación o un diafragma según las
necesidades.
3) Giramos en anillo del diafragma o la velocidad hasta que la aguja del
fotómetro queda en la marca central.
Tipos
de objetivos
·
El normal, es el objetivo de
distancia focal próxima a la diagonal del fotograma, en las cámaras de película
de 35mm es de 50mm. Nos va a permitir hacer la fotografía como el ojo humano lo
ve.
·
El angular, tiene una distancia de
menos de 35mm, nos aleja la imagen, por ello es muy útil en la fotografía de
interiores y de objetos de grandes dimensiones.
·
El ojo de pez, es el límite de los
grandes angulares, estos objetivos llegan a captar 180º o incluso más. El
fotograma que dan es redondo con lo que se desaprovecha bastante superficie de
la película, no necesita enfocarse.
·
·
El Shift constituye un gran
angular especial, ya que nos corrige de las aberraciones del angular al
inclinar la cámara. Es de gran utilidad en las fotografías de edificios.
·
El teleobjetivo tiene distancias
focales superiores al normal, sirven para hacer fotografías de animales o de
deportes, porque nos acercan la imagen.
·
El zoom es un teleobjetivo de
distancia focal graduable, el más usado es de 80-200, es decir, que abarca
todas las distancias focales entre 80mm y 200mm. Este tipo de objetivos tiene
la ventaja que podemos con él disponer de una gran gama de teleobjetivos sin
necesidad de cambiarlos, por contra tiene un elevado peso y precio.
·
El macro es un objetivo que nos
permite hacer fotografías de acercamientos, lo que nos permite fotografiar
detalles muy pequeños. Igual fin tiene los anillos de extensión y los fuelles,
ambos se colocan entre el objetivo y el cuerpo de cámara. Otro sistema para
obtener fotos de acercamientos son las lentes de aproximación que se colocan
delante del objetivo. De todos estos accesorios los más útiles son los macros y
el fuelle de extensión.
El
flash
Es uno de los aparatos más útiles en el
equipo del fotógrafo. Sirve para realizar fotografías donde la luz natural no
lo permita.
Hay dos grandes grupos: -Desechables
–Electrónicos, divididos a su vez en manuales o computarizados.
COMPOSICIÓN
¿Para qué queremos hacer buenas fotos? Pues
para que sean aceptadas por el público en general. Aunque las normas en
fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas
reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía. Entre dichas normas
están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista,
tamaño y escala, textura, forma y situación, factores que forman un todo en la
foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que
participen en cada una concreta deben hacerlo de manera conjunta. Lo expresivo
de una foto no son los detalles, sino su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo,
porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva siempre
encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.
Otro de los factores más importante que
conforman el conjunto de la fotografía es la composición, que la selección y
disposición de sujetos en el área de la imagen fotográfica dando como resultado
la capacidad para comunicar algo.
Componer es igual a crear. La mayor parte de
las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear
fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.
La verdadera fuerza de una buena imagen
radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se
decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en
ella.
En esencia la composición es, como se ha
indicado, la selección y colocación de objetos en el área fotografiada. Pero la
experiencia enseña muchas cosas al respecto, cuando mire a través del visor,
procure ver la fotografía que hay realmente y no otra que haya visto antes. En
cambio, intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más expresivas
de mostrarlas a los demás.
Normas clásicas de composición
Estos modelos no son obligados, pero
conviene tenerlos en cuenta al componer una fotografía:
·
La denominada regla de los tercios divide la
escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que
determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para
situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en
el centro de la imagen resulte estático.
·
Las líneas. Las líneas dominantes deben
centrar la atención, no desviarla. Se puede hallar una línea casi en cualquier
cosa, como en un camino o en una sombra.
Una de las normas más populares de la
composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente
cuando el tema es una estructura. Las líneas horizontales suelen expresar
armonía y profundidad, mientras que las
verticales limitan la profundidad y actúan como barreras entre la fotografía y
la vista.
·
Las líneas curvas y amplias dan una sensación
de belleza y gracia. La vista recorre la línea de manera pausada y natural,
producción una sensación de paz y tranquilidad.
·
Las curvas en S son otra forma de composición
bella y armónica, y también una de las más comunes. La vista sigue suavemente
la curva hasta alcanzar el principal centro de interés, centro que debemos
asegurarnos que exista.
·
Otra forma de composición es la L, cuya parte
del tema que forma la horizontal da estabilidad a las zonas verticales de la
imagen.
·
El triangulo es otro de los modelos de
composición clásico y sus tres puntos de atención dan mayor dinamismo al
conjunto de la imagen.
Factores que intervienen en
la composición
La mayor parte de las cámaras actuales se
utilizan a nivel del ojo y producen imágenes que nos parecen normales. Variando
el punto de vista podremos obtener nuevos e insólitos resultados.
Probablemente, el punto de vista que se utiliza con más frecuencia es el alto,
pero utilizando también el bajo es posible eliminar del fondo elementos que
puedan distraer la atención y atraer ésta sobre el objeto principal.
Cuando se encuentra en un tema interesante,
las primeras impresiones son generalmente las más perceptivas. Seguir un
impulso y tomar la fotografía no debe ser suficiente, no debemos conformarnos
solo con eso. Movámonos alrededor y veámoslo desde todos los ángulos; buscando
el mejor punto de vista. En los exteriores, desde un ángulo bajo se verá el
cielo de fondo. Cuando haga mal tiempo, será casi siempre mejor el punto de
vista alto.
Los cielos encapotados pueden resultar
rasos y descoloridos. Si eso es lo que queremos, prefecto; si no, elegiremos un
ángulo que elimine el cielo de la fotografía. Por otra parte la luz suave y
difusa de un cielo ligeramente nublado proporciona un excelente efecto para
primeros planos de rostros. El ángulo de la cámara es uno de los factores que
determina el efecto de iluminación.
Hay que considerar la línea del horizonte.
Las sensaciones de espacio, distancia y perspectiva se ven afectadas según la
posición de la línea del horizonte en la fotografía. Tomándola baja para acentuar
la distancia, especialmente si hay nubes blancas en el cielo azul, y alta para
sugerir proximidad.
BIBLIOGRAFÍA
-“Lectura
de imágenes”, Roberto Aparaci y Agustín García-Matilla, 1989, Ediciones de la
Torre.
-“Cursillo
de iniciación a la fotografía”, Agrupación Fotográfica Isleña, 1997.
-“Curso
básico de fotografía en blanco y negro”, Daimon.
-“Enciclopedia
práctica de fotografía Kodak”, Ediciones Salvat.
-“Historia
de la fotografía”, Marie-Loup Sougez, 1988, Cuadernos de arte Cátedra.
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